Январский фуршет
-
Когда спрашивают о "смысле", обычно подразумевают смысл по аналогии с тем, что Теорема Пифагора имеет смысл. Искусство имеет смысл по аналогии с тем, что прыжок с парашютом имеет смысл. Иными словами, авангард - это не какая-то головоломка, и в этом отношении (и в большинстве отношений) Ротко, Караваджо и наскальная живопись ничем друг от друга не отличаются. )
-
Прыжок с парашютом это также риск, поскольку это сугубо ментальное приближение к собственной смерти. Это скомканность опыта, неожиданность ощущений, новое открытие, столкновение с чем-то, чего в вашей повседневной жизни нет и быть не может, потому что она происходит не в верхних слоях атмосферы. А как выглядит мир с этих верхних слоёв атмосферы? Он выглядит как пятна и полоски. И чувства эти выглядят скорее как пятна и полоски, нежели - корова, женщина, перекрёсток. Что же касается восприятия зрительского, то все эти картины нужно смотреть живьём. Существуют fMRI исследования, которые обнаруживают, что когда человек смотрит на абстрактную живопись, его мозг поджигается как новогодняя ёлка - и никто не знает, почему. Мы пытаемся "сложить" картину, а сложить её нельзя, поскольку она описывает чувства, отдалённые от складываемого будничного. В какой-то момент картина становится просто фактом - это и есть момент, когда вы её понимаете.
-
"Художник" - это не рыцарский титул и не членство в секретной ложе. Это сугубо вопрос контекста. Художник - тот, кто занимается искусством, тут ничего сложного нет. Сложность в том, кто при этом делает что-то настоящее, а кто просто выполняет социальный заказ. Если бы у вас была хотя бы сотая часть мотивации Уорхола или Поллока, вы бы им (художником) уже стали. Тоже только одной сотой того, чем были Уорхол и Поллок, но тем не менее. Но у вас её нет. вот вы и не художник. Всё очень просто. )
-
Со мной может случиться всё, что угодно. Но как это может повлиять на моё восприятие прекрасного? Я в упор не могу понять, почему некоторые люди учат годами анатомию, физику света, пропорции, композиции, тренируют глаз, кисть, цветопередачу и они в то же время могут находиться с теми, кто просто неоднородно закрасил полотно с парой линий?
-
Так а иллюзия неподвижности восприятия и есть причина, по которой вы не можете это понять. Вы описываете принципы, которые главенствовали не всю историю искусства, а в очень короткий её промежуток. Чтобы понять остальные промежутки, нужно сперва допустить, что эти принципы не догма, а только одна из вариаций, которые работали в одну эпоху, и не работали во все остальные. С вами действительно может случиться все, что угодно. Сто лет назад с художниками случились индустриализация, фотография, революция и мировая война. Так ли удивительно, что они искали новые формы? Если вы хотите что-то понять, то первым вы должны понять то, что ваши часы отстают на 150 лет, и вы все еще отказываетесь их завести.
-
Да не, тупых людей очень мало. Просто некоторые считают, что уже всё выяснили, и больше выяснять нечего, а прочие возможности они подавляют скепсисом. Проблема со скепсисом в том, что это инструмент критический, а не созидательный. Он может отнять, а дать не может. А чтобы выйти из скепсиса нужно поставить под сомнение в первую очередь себя. Родного, любимого, всё уже выяснившего. Это не тупость, нет. Это трусость.
-
Какого "выгораживания"? Скепсис это инструмент познания, способ проверить первое попавшееся решение или установки авторитетов. Я встречал тысячи очень восторженных людей, страстно желавших всё узнать, убеждённых, что им ещё узнавать и узнавать, но всё равно тупых, хотя и безо всякого скепсиса. Скепсис негра , увидевшего "картину" объясняется прочностью его очень ограниченного опыта (красить нужно аккуратно, проливать краску нельзя и т.д.), а не чем-то иным. Скепсис это необходимое каждому взрослому человеку СРЕДСТВО ЗАЩИТЫ. Об этом я пишу вам в ответе на другой камент, но отвлекают всё время, у нас 5.49 вечера. Если бы у вас не было скепсиса, то вас можно было мобилизовать работать бесплатно картинками субботника из пионерского журнала. Об этом я напишу вам в ответе про новизну.
-
Хорошо объясняете, но вы упустили разделение художества. Если лет пятьсот назад художник был и рассказчиком и иллюстратором и "фотографом" (портретистом), то с появлением типографской печати и фотографии художнику совершенно не нужно воспроизводить точно муаровые ленты и золотое шитье на портретах и точно воспроизводить форму листьев и стеблей цветка — этим занимаются фотографы и художники-иллюстраторы, у которых тоже есть специализация. И разумеется, современному художнику совершенно не нужно быть рассказчиком, как в допотопные времена. Ваш оппонент, как и многие тысячи подобных ему, пытается найти в картине СЮЖЕТ, нарратив, повествование, известный ему материальный объект — то есть он ищет в станковом искусстве иллюстрации, портрет или комикс: то, чем оно не является. Его, как вы точно сказали, совершенно запутала ситуация, которая была в искусстве двести лет назад, когда только художник мог "увековечить" зрительный образ физического объекта, показать с помощью красок наглядно нечто с трудом представимое с помощью слов и подтвердить и усилить какой-то рассказ. Вот он и ищет в картине то, чего в ней нет.
-
Я так красиво, как автор расписывать не умею, но отвечу, что у этого имеется ряд причин. Лишь некоторые из них: первичность, оригинальность, известность автора, творческое прошлое автора, идея и её трактовка, контекст и время. Опять же стоит понимать, что просто три линии не станут искусством до тех пор, пока сам автор их так не наречёт. И я сейчас не о саркастических высказываниях о "инсталяциях наваленных под дверью", а о серьёзном, осмысленном и осознанном творчестве. И каждая из этих трёх линий будет иметь свою историю и свою причину
-
Можно накидать сюда много разных других факторов — законченность метода, сложность и точность исполнения (грубую работу всегда видно), актуальность именно такого исполнения в контексте происходящего в искусстве в данный момент — но на самом деле всё всегда определяется очень просто: картина или "светится", или не "светится". Вот в ответе на другой вопрос я наткнулся на человека, который продаёт на Ебее работы "под Поллока": http://www.ebay.com/usr/ckjkaj05?_trksid=p2047675.l2559 Ведь это же хуйня. Безобразная, топорная, как будто её копытом рисовали. Это именно то, что действительно может сделать ребёнок. А вот так ребёнок не сделает: http://www.jackson-pollock.org/images/paintings/autumn-rhythm.jpg
-
Хорошо объясняете, но вы забыли принцип новизны. Искусство бывает высоким и массовым. Массовое ТОЖЕ эмоционально воздействует на людей, но только на тех, кто не знаком с искусством вообще — на невежественных обывателей. Пушкин так усовершенствовал язык и стихосложение, что появились не только сотни его подражателей, но и тысячи людей, даже десятки тысяч и миллионы русских стали писать и говорить пушкинским языком, писать эпиграммы и письма "почти, как Пушкин". И даже если кто-то эти стихи ухитрится напечатать и продать, назвать их искусством, поэзией, нельзя. Это мастерство. Я не знаю, кто первым изобразил льва в мраморе так, что у людей появились мурашки на коже. Никто этого не знает, но что это было высоким искусством — несомненно. Но вот тысячи мраморных и бронзовых львов появившихся после это уже мастерство. И даже ремесло. Поэтому любое тиражирование артефактов "под Поллока", "под Гогена" будет ремеслом, с той или иной степенью мастерства. Ремесло это и есть создание предмета с заданными, известными свойствами, будь то железная печь или картины маслом. А искусством мы называем только то, чего раньше не было, но что стало ФАКТОМ в жизни людей. А вот то, что способен "накалякать" ребёнок или ваш оппонент фактом в жизни человечества не станет.
-
Я со временем стал меньше упирать в сторону новизны, поскольку вопрос скорее не в ней, а в собственной законченности работы и соответствии её формы задачам времени. Вон прерафаэлиты занимались чистым ревизионизмом, и в историческом смысле их ветка была тупиковее некуда, однако они успешно заполнили некоторый вакуум конкретно своей эпохи, ничего нового практически не делая. Оценивать их движение в целом — дело довольно спорное, и склоняется к оценке в среднем негативной, но вот "Офелия" Милле при этом совершенно охренительна. Так вот, если бы "Офелия" появилась в 2015-м году, а не в оригинальном, её направление было бы столько же тупиковым, как и тогда — но и охренительна она была бы точно так же.
-
Упирать вообще не нужно, никуда и ни во что. Я отвечал на вопрос вашего оппонента — сколько денег ему отвалят, если он "накалякает" нечто вроде полосок. И ответ "нисколько" никак не обосновать без принципа новизны. Никак. Давайте я вам разъясню этот принцип. Люди обязательно должны воздействовать друг на друга эмоционально — иначе они превратятся в животных. Продажа каменного топора одним дикарём другому это эмоциональное воздействие, ухаживание аборигена субсахарских саванн за другой аборигенкой (песни и танцы) это тоже эмоциональное воздействие. Речь вождя зулусов к воинам перед военным походом — тоже. Видите, без этого просто нет человеческой жизни. Но одни и те же ПРИЁМЫ эмоционального воздействия неизбежно теряют свою остроту и эффективность: человек не побежит в военкомат записываться УМИРАТЬ послушав те же лозунги, которые слышал его дед, умер и ничего хорошего не добился. Девушка не даст юноше, если он ей прочитает стишки Пушкина, которые она учила в школе и которые ей уже чуть-чуть настоебенили. Вы же слышали такое слово "пошло"? "Пошлый" (пошёлый) — значит надоевший, заезженный, старый. Это значит, что приёмы эмоционального воздействия требуют постоянного обновления и совершенствования. И неудивительно, это же оружие. Я достаточно ясно выражаюсь? Воздействие на других людей, манипуляция, это то, без чего человеческое общество не может существовать, а искусство (высокое) это и есть лаборатория по его разработке. Пример с прерафаэлитами ничего не показывает и не доказывает. Прерафаэлиты это это вообще покровительствуемое государством течение, нечто вроде нашего соцреализма, только с христианско-псевдонационально-готическим направлением. Вообще никакой пример в искусстве ничего не доказывает, его восприятие субъективно, а жизнь многообразна, искусство тоже. В целом, чтобы упростить концепцию, я сведу это к аналогии с распространении новых товаров — вначале это необыкновенная роскошь для самой верхушки, затем просто качественный товар для многих и, наконец, массовый товар. Роспись Сикстинской капеллы Микеланджело, это для римского папы > росписи и картины Бруни уже доступны многим > аналогичные картинки сейчас могут генерироваться сотнями художников и даже компьютерными играми.
-
Где грань меду уличным искусством и вандализмом? Почему многие приличные стрит-арты коммунальщики закрашивают(как пример граффити с Доцентом на трансформаторной будке, могу ссылку скинуть позе, закрашивали неоднократно). Ккакие на ваш взгляд наилучшие формы городского искусства? Всякие бронзовые парковые скульптуры смотрятся скучно.
-
Не хочется говорить, что разница только в контексте, но, видимо, придётся. В Лондоне конца позапрошлого века было много на стенах достаточно трафаретов, когда банды метили территорию. Некоторые из них были красивые, но кроме "сюда не ходи", они, в общем-то, больше ничего и не делают. В Лондоне конца прошлого века был Бэнкси, изображавший экстремистов, бросающих цветы, и зарубленные красные телефонные будки. По сути это всё ещё вандализм, но по контексту это искусство - за очевидные культурные отсылки, за прямое продолжение уличных граффити Парижской весны 68-го, да и в конце концов, за то, что оно хочет быть именно искусством. Про лучшие формы - я очень люблю старые памятники, но их линия требует основательного пересмотра, если мы хотим продолжать ставить в городах людей. Я в целом положительно отношусь к городскому пост-минимализму - большим работам Ричарда Серра и Ньюмана и пр., но в интерьерах они при этом несоизмеримо круче. Мне кажется, потенциал городского искусства почти целиком ложится на плечи архитектуры, и городам стоит периодически заказывать Большие Красивые Убыточные Проекты, как это делали в Возрождение, одной красоты и истории ради.
-
В современном искусстве полный ноль. Что посоветуете читать (и в какой последовательности) чтобы более-менее быть в теме? Ну там по истории искусства, или там "теоретическая подготовка" какая-нибудь есть, типа как в физике. Чтоб можно было при случае блеснуть эрудицией или быстро сориентироваться, когда спор какой-нибудь возникает.
-
Мой самый нелюбимый вопрос. ) Вот честно, ничего лучше "ходить в музей, смотреть картины" предложить невозможно. Всё начинается и заканчивается на самих картинах. Уже потом можно начать читать, выяснять конкретные вещи. То есть вот есть "Послы" Гольбейна. Посмотрев на картину и увидев череп, начинаешь копать, искать, какого хрена он там делает. И так далее, по одной картине за раз, пусть любопытство само подталкивает. Если очень хочется курс самообразования, есть видео лекции в Лектории и на Арзамасе, есть (плохие, но с широким разбросом) обсуждения на Khan Academy, но, по моему опыту, такое по-чуть и обо всём самообразование неэффективно, лучше бросаться и выяснять всё, что можно выяснить по одному художнику за раз.
-
Как вы можете такое советовать автору вопроса? Может быть стоило уточнить у него, начал он интересоваться искусством сразу с современного или знает историю искусства, Как можно понять современных художников, если не знаешь как минимум историю искусства за последние 100 лет. А еще лучше начать с каких-нибудь этрусков) А еще от меня вопрос: что думаете Сае Твобли? Купили бы?
-
Легко могу. Я сам начинал свой путь в этом деле с Малевича и Ротко, не зная истории совершенно. Посмотрел, почитал, еще посмотрел. А что такого? Эта тема кажется "закрытой" только из неврубности в дискурс, тогда как по факту ничего более открытого, чем живопись от модернизма просто невозможно себе представить. Вот красный холст. Он есть то, что он есть. В отличие от живописи домодернистской, вам не нужно читать Библию, или греческие мифы, или историю восстания в Испании, чтобы понять, что на нём происходит. А настоящее искусство вообще всегда об одном и том же - см. первый ответ. По внутренней сути между Ротко и этрусками нет никакой разницы, Ротко и вдохновлялся-то в том числе доисторическим искусством. Сая Твомбли люблю. Если бы был мультимиллионером, купил бы.
-
Да в общем в контексте рисования, когда мы сами не знаем, что рисуем — кружки это же самая естественная форма. Увековечивание самых базовых форм рисунка. При этом это довольно большая картина — ну и соответственно, холст, мало. Если Поллока ещё можно воспринимать с экрана, то Твомбли действительно можно смотреть только живьём. Я скептически к нему относился, пока не попал однажды на выставку серии картин по Илиаде. Это была любовь с первого взгляда. )
-
Это ветка венского акционизма, которая не может определиться, быть ей социальным протестом или художественной акцией. По социальному контексту - ну, кто-то вериги носит, кто-то себя на площади сжигает, оно в общем может принимать довольно разные формы. По художественному - предполагается, что такие акции возвращают обществу гипертрофированную версию того, что оно и так само с собой делает - по той простой причине, что никакие другие акции общество заметить не может. Я хорошо отношусь к Павленскому, но положение, в котором приходится говорить, что вот это и есть русский акционизм - это, в общем, положение заложника.
-
Вопрос на книгу. ) Задачи и проблемы в том, что уходящая эпоха постмодернизма нам мало что оставляет: на открытиях в галереях самыми интересными стабильно оказываются вещи людей, родившихся в середине прошлого века, а биеннале массово забивают работами не то что не прошедших двух лет, а даже не этого века. Музеи всё больше затачиваются на инсталляции-аттракционы, живописцев заранее натаскивают на рынок, большие, музейного качества, инсталляции бытуют в видных галереях, но проваливаются в прошлое без особенных всплесков. При этом парадокс в том, что абсолютное большинство этих работ очень хорошие, на 8-9 из 10-и, но в целом все соглашаются, что область проходит через застой. В литературе с этим проще: уже есть и первые прозаические ласточки, предлагающие какие-то альтернативы текущим методам повествования (Дэвид Фостер Уоллес, Марк Данилевски и т.д.), в России вполне может в 20-х годах наступить небольшой культурный бум, но в изо я никаких предпосылок такого же бума не вижу. Путей тут два - скучный языческий, в котором всё распадается на отдельные ветки со своими богами, с единственным отличием, что раньше им поклонялись, а теперь их создают; и второй - более интересный - в котором из низов появляется новое направление, оперативно захватывающее сцену. В качестве ложных пророков нам уже неоднократно пытались тиснуть всякие метамодернизм и альтер-модерны, но это всё попытки переиграть танец на костылях. Главный вопрос, стоящий перед этим будущим направлением - "Как вообще продолжать, если мы всё попробовали, и ничего не работает?" Такие дела.
-
Читать и помнить - понятие относительное, потому что возникает вопрос, кто. За массового читателя я не скажу, всё зависит от того, насколько жить будет плохо. А за читающего читателя можно сказать так: Из старшего поколения ещё живых и недавно умерших будут Драгомощенко, Айги, Михаил Ерёмин, Хвостенко, Соснора, Кальпиди... в общем, до хрена их, по каждому направлению можно по несколько человек назвать. Лев Оборин вот как-то составил список примерно ста с лишним имён: http://thequestion.ru/questions/19456/kakih-sovremennyh-russkoyazychnyh-poetov-i-poetess-stoit-pochitat А про тех, кому сейчас 25-35 - ну, о живых коллегах говорить очень сложно, и вот почему: через 50 лет будут читать тех, кто смог "решить" опыт всей этой переходной эпохи, успев облучиться и от опыта СССР, и от опыта 90-х, и от нового времени. Это не такая большая прослойка, тоже человек 100, и большинство из них ещё не вошли в свой прайм, а некоторые не достигнут его никогда, поскольку сойдут с дистанции раньше. Вот кто останется, и будет продолжать писать ближайшие 10 лет, и сможет этот опыт переварить, и найти какое-то его решение - того и будут читать. А больше никого нет.
-
На то есть несколько причин, которые укажу кратко, поскольку их можно очень объёмно расписывать: 1. Это первый полный формализм, работающий с пустотой. Пустота - это страшно. С пустотой никто в полной мере о этого не работал. 2. Это попытка дать искусству занять вакуум, оставленный отступающей религией. Он не просто так висел в красном углу - ЧК это именно икона. 3. В свете первых двух пунктов - это самое масштабное расширение возможностей и самоопределения искусства со времён "Олимпии". 4. Он совершенно пронзительно, пиздецово живописен. То есть это живопись, впервые посмотревшая в зеркало, и в результате этого исчезнувшая. Извините, что абстрактно - просто тут или книгу писать, или прибегать к метафорам.
-
1. Честно признаюсь, не читал, но выглядит неплохо. 2. Наследником абстрактного экспрессионизма называет себя лирический абстракционизм - вроде бы многообещающее направление, которому, при этом, всегда чего-то не хватает. Просто нет никого настолько же убедительного. Линия абстрактного экспрессионизма продолжается скорее у нео-экспрессионистов и пост-минималистов. Не напрямую, но по сути. Это Ансельм Кифер, не так давно умершие Сай Твомбли и Агнес Мартин, Ричард Серра, видеоинсталляции Билла Виолы и т.д.
-
Любимые - уже выше упоминавшиеся Драгомощенко, Айги и Михаил Ерёмин. Самый любимый в принципе - наверное, Введенский. Люблю именно стихи Янки Дягилевой и позднего Егора Летова от середины 90-х и далее. Ну и всю классику, ясен пень. ) Из англоязычных - Джон Эшбери, Элиот, Уоллес Стивенс, Роберт Крили, Рон Силлиман, Рэй Армантраут, Джереми Принн (Prynne). Из прочих переведённых - Транстрёмер, Томас Клинг, Целан.
-
Единого контекста точно нет, всего слишком много, но можно почитать кое-что из западной философии, поскольку всё это делалось в том числе отталкиваясь от оной — главным образом Хайдеггер, Витгенштейн и Деррида. Надо сразу оговориться, что "современное" в данном случае я перевожу как "contemporary", то есть послевоенное. С журналами трудно сказать — ни я сам, никто кто-либо из известных мне людей не следит так уж активно за критикой в реальном времени, разве что натыкаясь на репост из колонки искусства в New York Times. Я уже отвечал в этой ветке — лучше всего просто ходить в музей, читать про того или иного художника, которые интересны, дать пониманию общего накапливаться постепенно.
-
Качество работы плюс репутация художника — при кажущейся несправедливости, я тем не менее не представляю, как даже плохая работа Ротко может стоить дешевле какого-нибудь пусть даже хорошего, по собственным меркам, раннего итальянского футуризма. Калибр не тот. Стоимость картины совершенно безвестного абстракциониста будет зависеть от него одного, поскольку ему её говорить. Всё, что продаётся меньше, чем за $1000 — это, как правило, несерьёзно. Человек или не знает рынка, или сознательно занимается производственной копиркой. Ну, или ему на эту картину просто пофиг. Вот, например, человек на Etsy продаёт акриловые работы: https://www.etsy.com/shop/CherylWasilowArt?ref=l2-shopheader-name Цены более-менее адекватные, только с одной за 10 тысяч он, конечно, перегнул, десяти тысяч она не стоит. А вот кто-то торгует на Ебее каким-то примитивным эпигонством под Поллока: http://www.ebay.com/usr/ckjkaj05?_trksid=p2047675.l2559 Тут цены неадекватные, потому что всё это можно двумя пальцами вынести на помойку, а художнику долго смотреть в глаза, пока не извинится.
-
А что, Ротко единственный такого масштаба из современных? Взять французких импрессионистов к примеру. Появилось направление и большая группа художников чьи работы в принципе равнозначны. А что Ротко? В чем его уникальность и неповторимость? Я понимаю нельзя повторить черный квадрат. Но разве нет никого кто после Ротко или в его же времена создавал абстракции той же силы выразительности? И еще вопрос. Вы чем занимаетесь? Удается как то реализовывать себя в обществе с таким глубоким восприятием?
-
Почему же, жило их много: Ньюман, Поллок и Де Кунинг все первой величины, плюс можно вспомнить ещё с дюжину других, чуть менее известных, но висящих с вышеупомянутыми в одном зале — Клайн, Хофман, Райнхардт, Стилл и др. Чёрные работы Райнхардта вполне дадут фору чёрным работам Ротко. Я работаю в дизайне и пишу стихи. Восприятие самое обычное, просто когда много и часто смотришь, вырабатывается способность замечать различия. Ну и частые упражнения вроде ответов на вопросы помогают эти различия формулировать. То есть это, в общем, самокондиционирование.
-
Глеб, спасибо что участвуете в тёминых фуршетах, ваши ответы всегда интересно читать, независимо от того на какой вопрос вы отвечаете. Вы неоднократно говорили, что изобразительное искусство зашло в тупик, в связи с этим хочу спросить про деятельность нашей мастерской (изготовление гипсовых учебных пособий). Наши конечные покупатели, которые осваивают азы академического рисунка, загоняют современное изобразительное искусство в ещё больший тупик, или это параллельная тропинка которая может быть когда нибудь и пересечётся с будующим изобразительным искусством?
-
Я думаю, что в определённом возрасте академическое обучение даёт очень большую пользу в плане освоения материалов и техники работы, но поскольку оно не способно дать теоретической базы, то с какого-то момента, когда человек уже чуть лучше себе представляет, что ему нужно делать (условно говоря, лет с 20-и с лишним) его потенциальная польза становится уже сугубо индивидуальна — то есть, кому-то поможет, а кому-то и навредит. Будущее академизма как направления было решено почти 200 лет назад, когда Жозеф Ньепс проявил свою первую удачную гелиографическую пластину — что главенствующим оно стать уже не сможет, потому что не сможет сопротивляться сумме всех остальных — но пересечения в будущем со стороны отдельных художников, которые способны будут интерпретировать опыт академизма в соответствии с новыми поставленными вопросами — конечно очень возможны, и мне было бы любопытно на них посмотреть. )
-
1. можете посоветовать что-нибудь вводное по современному искусству для школьников (средняя-старшая школа)? онлайн-курсы или толковые книги, не обязательно всеохватные, можно и по отдельным художникам и направлениям. лучше на русском, но английский тоже вариант 2. не знаете ли хорошей онлайн-базы книг (журналов) по теме? 3. есть ли художники, работающих с/исследующие возможности 3D? я вот знаю недавнего годара и питера роуза (https://vimeo.com/user1592855), но наверняка есть что-то ещё
-
1. Школьников я бы просто водил по музеям и рассказывал что-нибудь интересное живьём перед картинами. Или даже перед экраном. Вот показать им рядом "Девочку на шаре" и "Гернику", и спросить, почему они так отличаются. А вот тем, что первая написана до бомбёжек, а вторая после. Школьники поймут. 2. Не знаю, увы. 3. Знаю, что они есть, уже начал встречать висящие Окулусы в галереях, но по именам никого не вспомню, и, честно говоря, никто особенно не впечатлил.
-
Приветствую! Я много раз был на Винзаводе в Москве, и честно признаюсь, я ни единого раза не вышел оттуда с чувством, что вот, мол, действительно хорошо сходили, было очень интересно, и "вон ту работу" я бы хотел видеть у себя дома - или что-то в этом духе. Вероятно у меня совершенно не тот склад ума, вероятно я хожу не на то, что стоило бы сходить. Поэтому - прошу посоветовать выставки в Питере, где выставляются признанные работы, на которые стоило бы сходить. В ближайшие пару месяцев. Должно быть вы в курсе, что стоит посетить. Либо у меня в корне не правильный подход к современному искусству в принципе.
-
Я не живу в Москве с 2003-го года, так что выставки на Винзаводе, к сожалению, ни разу не посещал. Насколько я понимаю, это аналог западного Armory show, то есть периодическая выставка художеств со всей Руси великой. В принципе, нет ничего удивительного в том, что зритель выходит с такой выставки несколько недотронутым — я с Armory show выхожу приблизительно так же. Такие выставки выполняют скорее функцию книги прихода и ухода, возможности сделать обзор всего происходящего, обозначить какие-то проблемы и дать людям возможность о них поговорить. Появление на подобной выставке чего-то действительно выдающегося, как в своё время "выстрелила" в Парижском салоне "Клятва Горациев" — событие всегда из ряда вон, и оно может произойти только если проведение выставки совпадает с большим тектоническим сдвигом в самой культуре — это вторая, редко себя проявляющая функция таких выставок, и понятно что такие вещи происходят не каждый год. Моя собственная стратегия поиска хороших работ заточена на поиск отдельных хороших галерей, куда я наведываюсь достаточно часто, а во все остальные — только изредка в рамках общего больничного обхода. Но — см. выше, я и не в Москве, и не в Питере, поэтому конкретные места посоветовать, увы, не могу.
Современное искусство — живопись, скульптура, new media.
Современная поэзия — русская и англоязычная, от модернизма до наших дней.
Отвечаю на вопросы по истории, теории, распространённых практиках, рынку, по отдельным произведениям или по сфере в целом.
